The Incident

The Incident. Es un título llamativo ¿no? Me gusta; suena directo, lapidario y al mismo tiempo sugerente. Las cualidades exactas que un buen título de disco debe tener, en mi opinión. Y no parece que venga de casualidad: hay una buena historia detrás de él. Una historia autobiográfica en gran medida para Steven Wilson. ¿Qué mejor modo de dotar a la música de emotividad que aquel que implica recuerdos, hechos y anécdotas que han marcado a uno a lo largo de su vida, especialmente durante la infancia? Ésta es la apuesta de Wilson para la ocasión, en un formato ambicioso donde los haya: 55 minutos de música ininterrumpida, dividida en varios temas pero al mismo tiempo formando una unidad sólida, creada de principio a fin tal cual le llega al oyente.

Es curioso que la semilla de este concepto fue algo mucho más impersonal. La idea original de Steven Wilson era tomar una de esas noticias anónimas que aparentemente no interesan a nadie, apenas esbozada fríamente en los medios de comunicación, como tantas otras. Un “incidente” más: el hallazgo de un cuerpo sin vida cerca de un río y la relación imaginaria del suceso con cierto culto religioso. Sin embargo, en el proceso de intentar devolverle cierta emoción, cierta implicación personal, la influencia autobiográfica empezó a tomar cuerpo. El incidente original se fue convirtiendo en la infinidad de pequeños pero importantes incidentes más o menos cotidianos que, a largo plazo, van definiendo la vida de uno. Un concepto muy amplio y difuso en realidad, pero jugoso a la hora de crear música a partir del mismo.

Steven Wilson, ese pequeño gran genio de la música contemporánea

Evidentemente, un tipo como Steven Wilson no iba a querer limitarse únicamente a embellecer la historia con una música de calidad. Había que dotar al conjunto de algo más. Y para eso, qué otra cosa sino recurrir a su ya habitual colaborador gráfico, el brillantísimo Lasse Hoile. Y no se han andado con chiquitas: la edición especial del álbum viene acompañada con “libreto” en formato enorme que a lo largo de 116 páginas ilustra la historia en innumerables fotografías de indudable encanto e incontestable calidad gráfica. O quizá debería decir que es el disco en sí el que acompaña a semejante libro. El disco no, los discos, ya que son dos CDs -el primero de ellos conteniendo los 55 minutos de The Incident y el segundo cuatro temás más, cortos, no relacionados letrísticamente- más un DVD con la mezcla en 5.1, algo casi imprescindible cuando hablamos de esta banda, como ya se ha discutido en este mismo blog con anterioridad… Y por si fuera poco, otro libro más de 40 páginas con dibujos inspirados en las letras, obra de un artista llamado Hajo Mueller.

La edición especial: una pequeña joya

70 € cuesta la criatura, y aquí me tenéis escribiendo sobre ella. ¿Merece la pena semejante desembolso por algo así? En mi opinión sí, rotundamente. Es algo de lo que presumiblemente voy a disfrutar toda una vida, y que ha colmado mis expectativas iniciales.

Musicalmente nos encontramos con un disco de Porcupine Tree en su más amplia expresión. Son muchas las veces que se afirma que cierto nuevo álbum de cierto artista engloba a la perfección todos los diferentes giros estilísticos que ha tocado anteriormente a lo largo de su carrera. En este caso, creo que la frase cliché cobra su sentido auténtico, y The Incident es una excelente muestra de lo que son y han sido los británicos hasta el momento. Incluso me atrevería a decir que la influencia de los otros proyectos musicales de Wilson ha tenido una considerable importancia. Quizá el componente autobiográfico de este trabajo también pueda extenderse al aspecto puramente musical…

Gavin Harrison: para mí el batería de referencia en la escena progresiva actual

He de decir que con The Incident he recuperado la sana costumbre de no escuchar un disco en cuanto se filtra por la red y, en su lugar, esperar a recibirlo en casa y catarlo por primera vez como debe ser: libreto en mano y sentado plácidamente ante un buen equipo de sonido. Tratándose de una edición como ésta, más motivo para el disfrute mayúsculo de esa primera escucha que siempre es tan especial y, obviamente, irrepetible.

Como era de esperar, la escucha de la mezcla en surround a través de los cinco altavoces y el subwoofer de mi Panasonic PT-550 (ohhh, se llama PT el modelo, ¡cuán apropiado!), supone un auténtico placer. Considero que éste es uno de esos álbumes que van ganando muchos enteros con las sucesivas escuchas. Mi impresión inicial, aun maquillada ante la percepción de momentos de evidente brillantez musical, no fue totalmente convincente. La sensación era de encontrarse ante un disco algo disperso, en el que la música no iba fluyendo con demasiada naturalidad a lo largo del primer CD. Fue curiosamente el segundo, al que a priori atribuía menos peso, el que llamó más mi atención, sobre todo gracias a la sorprendente y genialísima Bonnie the Cat y la preciosa conclusión con Remember Me Lover.

Rara avis: Colin Edwin sin gorrito xD

Pero como ya podréis imaginar a estas alturas, con el tiempo uno va quedándose con las melodías y motivos musicales que se suceden de principio a fin, y el conjunto toma forma. Actualmente no soy capaz de descontextualizar ninguna parte de The Incident ni escucharlo si no es de principio a fin y sin interrupción. Creo que, de un disco conceptual ante el que se sienta eso, puede afirmarse con convicción que está perfectamente logrado. Sólo queda para mi gusto un pequeño resquicio de duda: el estribillo de Drawing the Line. Aún no estoy seguro de si lo amo o lo odio. Por una parte lo considero un momento de subidón inesperado y brillante y, por otra, rompe de forma desafortunadamente brusca la melancólica calma de una de las mejores estrofas de todo el disco.

Richard Barbieri. Un tío normal sobre el que no se me ocurre decir nada. ¿Viejuno?

¿Es The Incident el disco definitivo de Porcupine Tree? Globalmente, considerando la presentación y el formato de la edición especial, sin duda alguna. Si nos ceñimos exclusivamente a lo musical, estamos “sólo” ante otro gran disco del grupo, al nivel que cabe esperar de una mente brillante acompañada de otros tres grandes músicos, y con la frescura suficiente como para no decaer el interés en absoluto. Yo me doy por satisfecho. ¿Vosotros?

Independientemente de la calidad del resultado artístico final, siempre me han parecido muy interesantes estos trabajos a la hora de juzgar la calidad y versatilidad de una determinada banda. El rock/metal está muy basado en la distorsión eléctrica, creando un muro de sonido que, al desaparecer, no siempre es sencillo llenar con sonidos puramente acústicos. Esto puede sacar a la luz ciertas carencias compositivas y técnicas. Hay que saber cambiar el chip y no tocar los instrumentos como una mera y pobre réplica de los eléctricos.

He escogido una pequeña selección de trabajos de bandas que, siendo menos conocidas que las creadoras de los famosos unplugged mencionados anteriormente, considero que han demostrado el talento necesario para que sus discos acústicos brillen por sí mismos sin necesidad de comparación con sus demás álbumes.

Podría parecer muy sorprendente que un grupo de black metal progresivo publique un disco acústico, pero lo que Borknagar han hecho con Origin en realidad es tremendamente simple: ir a las raíces primigenias de su música. Aquí encontramos en esencia el folk que les da su toque épico y característico. Ocho composiciones nuevas y una magnífica adaptación de uno de sus temas más conocidos: Oceans Rise. Un álbum que propició opiniones de lo más diversas entre sus seguidores, pero que personalmente puedo decir que me gusta tanto como cualquier otro suyo.

El caso de Anathema es mucho menos radical, pues la delicadeza y minimalismo de sus últimos trabajos no difiere en demasía de lo que podemos encontrarnos en este Hindsight. Al contrario que Borknagar, aquí aparece una sola canción inédita -la que cierra el disco- y nueve versiones de temas más antiguos. Algunas como A Natural Disaster se antojan quizá innecesarias, mientras otras como Inner Silence rozan lo memorable.

Con Pain of Salvation, como no podía ser de otra forma, nos encontramos con una genialidad más de Daniel Gildenlow y compañía. 12:5 -titulado simplemente así al haber sido grabado un 12 de mayo- es, a diferencia de los dos anteriores, en directo, y consiste en canciones de sus cuatro primeros discos, pero reinterpretadas de tal forma que suena absolutamente fresco y novedoso. La calidad de las armonías vocales es tremenda y también lo es la fuerza y espontaneidad con que suena todo. Una de las muestras más brillantes del talento y la versatilidad de las que hablaba en la introducción.

Otro directo con canciones ya conocidas en su versión original. En esta ocasión no se trata de un álbum estrictamente acústico, como reza su subtítulo -A Semi Acoustic Evening-. Aún así, está mucho más cerca en esencia de un acústico al uso que de un disco al uso de la banda. The Gathering optaron por una instrumentación sutil y minimalista que dejase espacio para el protagonismo de Anneke van Giersbergen. Y quién no lo querría con una voz así…

He dejado para el final el que considero la estrella, no sólo por parecerme lo mejor de esta selección de álbumes, sino también de la banda en cuestión: Green Carnation. Es una apreciación puramente personal, pero se trata de uno de los discos más emotivos que he escuchado nunca. Grabado en estudio y con canciones expresamente creadas para la ocasión, las melodías son simplemente maravillosas. Arreglos de cuerda, piano y hasta theremin, arropando la genial voz del gigantón noruego Kjetil Nordhus. Como curiosidad, decir que la letra de Alone es exactamente la misma que utilizaron sus compatriotas Arcturus para la canción del mismo título, extraída de un poema de Edgar Allan Poe.

No me resisto a concluir este texto con la interpretación en directo del precioso tema que abre el disco: Sweet Leaf.

Finalmente, ¿algún otro trabajo acústico que consideréis  especialmente destacable? Se aceptan recomendaciones.

Para comprobarlo, pasen, vean y opinen:

Atención al puto crack de Tomas Haake y la precisión milimétrica que demuestra tocando air drums, el momentazo de Fredrik Thordendal haciendo tapping con sus gafotas de poli malote o el micro improvisado de Jens Kidman, entre otros muchos detalles desternillantes. Enorme xD

Sirva esta breve entrada como pequeño homenaje a una banda que tanto bien ha hecho al frecuentemente anquilosado y conservador mundillo metalero.

Pues sí, repetimos país esta vez. Si hace unos días hablábamos del Evangelion de Behemoth, ahora toca Indukti a raíz de la publicación de su segundo álbum, titulado IDMEN y que se postula como firme candidato a desafiar la calidad de esa maravilla que lleva por nombre Anno Domini High Definition, obra de sus también compatriotas Riverside.

Menciono a Riverside no sólo por haber sacado el que en mi opinión es, hasta el momento, el disco del año, sino por que la carrera de Indukti ha estado en sus inicios fuertemente ligada a la de aquellos. Fue el cantante de Riverside, Mariusz Duda, quien puso voz al, por otra parte, mayoritariamente instrumental debut de Indukti, hace ya un lustro. Y la conexión no termina aquí, pues el induktor –como así les gusta hacerse llamar a los miembros de este grupo- Wawrzyniec Dramowicz se encargó de la batería en la nueva aventura musical del propio Mariusz, Lunatic Soul.

Indukti 2009: Piotr Kocimski (guitarra), Ewa Jablonska (violín), Maciej Jaskiewicz (guitarra), Andrzej Kaczynski (bajo), Wawrzyniec Dramowicz (batería)

A pesar de este lío de conexiones comunes y nombres rarunos polacos, Indukti y Riverside están en diferentes esferas musicales, independientemente de que ambos puedan incluirse sin problemas en el saco del rock/metal progresivo en su más amplia expresión. La propuesta de Indukti está más cerca de los sonidos alternativos, experimentales y a veces estridentes de Tool, King Crimson, Anekdoten y Meshuggah que de los ambientes cálidos y emotivos de sus compatriotas, aunque, por qué no decirlo, algo de esto también se les ha pegado.

Si hay algo que pueda definirse como característico en Indukti es la tensión musical: el entramado que crean la batería, bajo, guitarras y violín, en el cual todos gozan de idéntico protagonismo y raramente se destacan unos sobre otros, creando un efecto hipnótico. Particularmente el uso del violín es una de los aspectos que más me atrajo de esta banda en su día, por lo atípico del mismo. Lejos de limitarse a crear melodías sobre la sólida base rítmica, se integra totalmente entre los riffs sincopados de Piotr Kocimski y Maciej Jaskiewicz como si de un inexistente teclado se tratase.

Ewa Jablonska

Curiosa es también la tendencia del grupo a utilizar instrumentos poco comunes en este género. Si en su primer álbum aparecían un arpa y un didgeridoo, en éste nos encontramos con el dulcimer y la trompeta. El dulcimer es un antiquísimo instrumento de cuerda percutida que produce un sonido seco y metálico, sonido que personalmente me ha gustado lo suyo y que, lejos de quedarse en mera anécdota, tiene un notable protagonismo en varios momentos del disco, siendo el tema Tusan Homichi Tuvota el ejemplo más claro.

Marta Maslanka tocando el dulcimer en un concierto de Indukti

La trompeta, cortesía del músico invitado Robert Majewski, la encontramos en uno de las canciones estrella del disco y broche de oro al mismo: Ninth Wave. Coincidencia o no, el tema se desarrolla inicialmente en una atmósfera sosegada y bella que parece sacada del mencionado álbum de Lunatic Soul, donde las acústicas sirven de base al soleo de la trompeta. Llegados al minuto 3 la atmósfera cambia y se torna en el sonido tenso y oscuro característico de Indukti, para volver más tarde al ambiente relajado del inicio, pero esta vez con el violín entrando en escena, jugando con el estéreo con la trompeta por el otro canal. Finalmente, tras otro pasaje más caótico, entra una melodía de violín que se va desvaneciendo para terminar con el sonido de las olas del mar… Simplemente precioso, un tema genial que creo que bien merece un párrafo para él solo.

Maciej Jaskiewicz

Desde luego, no puede decirse que Indukti hayan sacado un producto típico. Las voces también tienen lo suyo y los tres temas cantados son bastante inusuales, especialmente Tusan Homichi Tuvota (si es que ya el mismo título se las trae…). El responsable  es Nils Frykdahl de Sleepytime Gorilla Museum, que quizá no sorprenda tanto a quienes ya conozcan su propia banda, pero a mí, que no es el caso (aunque voy a solucionar esto ya mismo), me ha dejado con el culo torcío. En ...And Who’s the God Now?! el vocalista invitado es Maciej Taff, miembro de los también polacos Rootwater, mientras que en Nemesis Voices aparece Michael Luginbuehl de los suizos Prisma, grupo nacido claramente a la sombra de Tool. Éste hace una interpretación más “normal” y recuerda en mayor medida a la colaboración de Mariusz Duda en el anterior disco.

Indukti en el NEARfest 2007

Pese a lo llamativo de estos temas cantados, creo que la fuerza de Indukti reside en su capacidad instrumental, como puede comprobarse en el EP Mutum, que contiene las versiones sin voz de esas canciones, versiones que prefiero a las del álbum en sí. O quizá lo que ocurre es que se echa en falta la magia que aportó Mariusz Duda en S.U.S.A.R., cuyas interpretaciones en ese disco están a la altura de los Riverside más inspirados.

No sé porqué, pero me encantan las fotos en directo de esta gente xD

Me resulta difícil juzgar si Indukti han conseguido superar su debut con este IDMEN. Aquél me impactó como pocos discos lo han hecho, mientras que en éste el factor sorpresa ha desaparecido en cierta medida, aunque se compensa con la mayor dosis de experimentalidad, manteniéndose la calidad de los temas a un nivel similar. Diría que no se trata de un caso ni de superar las expectativas ni de no llegar a ellas, “simplemente” igualarlas, y pongo simplemente entre comillas porque las tenía por las nubes. Eso sí, confiemos en no tener que esperar otros cinco años para un tercer álbum.

Ya tenemos aquí la nueva entrega de una de mis bandas fetiche en la escena contemporánea del metal extremo: Behemoth. El noveno capítulo en la carrera de los polacos lleva por título Evangelion y viene presentado por una portada que representa perfectamente la música, estética y lírica actuales de Nergal y compañía: el acabado artístico y cuidado, el simbolismo herético –las Tablas de la Ley rotas a los pies de la puta de Babilonia, que a su vez refleja esa atmósfera oriental del disco- y el gusto por lo poderoso y desafiante –la pose de la mencionada prostituta babilónica-. Una imagen bajo mi punto de vista muy lograda, con un aire a aquellos viejos grabados medievales, que contrasta con lo colorido y “digitalizado” de anteriores portadas del grupo.

Behemoth: los malotes del barrio

Si hace escasos días hablábamos del poder evocador de la música oriental, a propósito del Saurian Exorcisms de Karl Sanders, es imposible no volver a mencionarlo con del presente disco. A lo largo esta década, y sobre todo desde su álbum Demigod (2004), Behemoth han aderezado su blackened death metal característico con una considerable influencia de la música que el propio Nergal ha ido recogiendo en sus viajes por Egipto, Israel o la India, entre otros muchos lugares. El ejemplo más obvio es el segundo tema, Shemaforash, con un sonido de sitar en segundo plano que finalmente se torna en protagonista único.

¿O tal vez no lo son tanto?

¿A qué suena exactamente Evangelion? Para los seguidores de su última etapa centrada en el death metal no hay grandes sorpresas. Behemoth se encuentran muy cómodos con su estilo actual y la mayoría de sus seguidores también, pues disco tras disco siguen mostrando una calidad al alcance de contadas bandas del género. Pero hay ciertos detalles dignos de reseñar. Por una parte, han bajado el pie del acelerador en más ocasiones. Temas como Ov Fire and the Void o Alas, the Lord is Upon Me se desarrollan casi completamente a medio tiempo, pero esta tendencia se ha maximizado en el corte que cierra el disco, titulado sencillamente Lucifer. Aquí Behemoth rozan los límites del doom/death metal, creando un sonido denso y monumental.

En contra de lo que podría parecer, esto no ha ablandado su sonido en absoluto, sino que les ha aportado una mayor dinámica, haciendo que los pasajes rápidos suenen increíblemente agresivos e intensos. Como siempre, es ese huracán llamado Inferno quien lleva la batuta con su técnica y brutalidad por igual a la hora de acometer sus partes de batería.

Seth grabando acústicas en el estudio, aparentemente en estado de trance místico

Otro detalle a destacar es la estructura más compacta de las canciones. Behemoth siguen siendo extremos y muy técnicos, pero hay menos caos en las composiciones. Ahora cada riff, cada parte nueva parece nacida exactamente para continuar tras la anterior, algo que no siempre estaba antes, donde algunos cambios que parecían más forzados. Llamadlo madurez o como queráis; desde luego es algo que me ha gustado mucho. Y me ha llamado la atención el gusto que han cogido a crear tensiones musicales mediante pasajes donde la base rítmica desaparece y quedan solo las guitarras arpegiando, cual calma que precede a la tormenta. Un recurso muy efectivo, sin duda.

Pasan los años y, disco tras disco, no deja de  sorprenderme la capacidad de Behemoth de dar un pequeño paso más allá con cada nuevo trabajo sin variar apenas la base de su propuesta. No me impactarán ya como el día que los descubrí, pero tampoco parece que tengan la capacidad de decepcionarme.

Parece una cocina de gas con tapa, pero no, es un mellotron

Una vez pasado el estado transitorio de enajenación mental, tal vez se anime a explicaros que se trata de un instrumento un tanto viejuno, cuyo funcionamiento se basa en la reproducción de pistas de audio grabadas en cintas magnéticas mediante la pulsación de teclas similares a las de un piano. Sí, tal como lo oís. Esas cintas contienen grabaciones de sonidos orquestales: cuerdas (violines, violas, cellos… en diversas combinaciones), flautas, metales (trompetas, cuernos, etc), percusión, e incluso coros, tanto masculinos como femeninos. Dichas grabaciones se llevaron a cabo con unas notables carencias técnicas, dando lugar a una calidad de reproducción bastante pobre. Las cintas, una por cada tecla, se accionan en el momento de pulsar éstas y su duración es de unos 8 segundos, requiriendo un rebobinado una vez terminadas para poder volver a sonar. El rebobinado tarda 1/8 de segundo, algo perfectamente perceptible por nuestro oído, con lo que la duración de las notas o acordes queda limitada. Ah, los primeros modelos pesaban en torno a 140 kg, toda una pesadilla para el transporte y las giras. Llegados a este punto, os estaréis preguntando dónde está el secreto de la adoración casi divina hacia este extraño instrumento.

¿Os molaría tener uno? Pues iros olvidando; apenas se fabricaron unas 2500 unidades, y sólo pueden adquirirse actualmente de segunda mano, a precios prohibitivos

Paradójicamente, el secreto está en la pobreza de la grabación de los instrumentos reales a imitar. El sonido final, un tanto extraño, pero cálido y muy agradable, con cierta aura melancólica, es tan distintivo y característico que con el tiempo se ha ganado una reputación por sí mismo, olvidando aquello a lo que pretendía emular. Tanto que, en la actualidad, parece haber una especie de “revival” en el uso del mellotron, fundamentalmente dentro de la escena progresiva, llena de amantes de esos sonidos vintage tan característicos de sus influencias setenteras.

Yo mismo admito ser un fanático del sonido melotrónico, que parece atrapar cual canto de sirena, hasta el punto de llegar a la cuestionable asociación de “uso del mellotron=calidad”, sea cual sea el estilo y las composiciones. Bueno, no es para tanto, pero casi. Lo cierto es que la gran mayoría de bandas que tienden a utilizarlo generosamente me gustan muchísimo.

Tenía que aprovechar la ocasión para incluir tan mítica portada. ¿Qué sería de este disco sin mellotron? No existiría. ¿Y qué sería de nosotros sin este disco? Nuestra vida merecería la pena un poquito menos

Recientemente, una joven llamada Dianna Dilworth ha tenido la brillante idea de crear un documental sobre el venerado aparatito, un documental titulado Mellodrama que promete tratar en profundidad, con entrevistas a importantes músicos, el desarrollo e influencia del mellotron en el mundo de la música. Entre los entrevistados podemos mencionar a Ian McDonald de King Crimson, Mike Pinder de The Moody Blues (uno de los primeros maestros del instrumento) Patrick Moraz de Yes o Mikael Åkerfeldt de Opeth. Actualmente se está exhibiendo en varios festivales de cine independiente, y por lo visto en el mes de mayo pudo verse en Madrid, cortesía del Círculo de Bellas Artes. Podéis ver el trailer aquí.

Y recordad: amaréis el mellotron sobre todas las cosas.

Como melómano, una de las cualidades que más aprecio de la música es su capacidad evocadora. Crear imágenes en el oyente sólo con sonidos. Está claro que determinados géneros musicales parecen más proclives a tener un efecto cinematográfico que otros, pero también depende en gran medida de la persona en cuestión. En mi caso -y creo que es algo común para buena parte de los oídos occidentales- la música de Oriente Medio o, en términos generales, “árabe”, es una de las que más fuertemente desarrolla este efecto. Lo exótico de las particulares escalas utilizadas nos llama la atención y hace imaginar esas ancestrales caravanas cruzando las dunas del desierto, o nos introduce en los sombríos pasadizos de una pirámide.

Karl Sanders

Karl Sanders sabe mucho de esto. Su afición por la egiptología es sobradamente conocida entre los seguidores del death metal gracias a su banda Nile, pero, ciertamente, una música tan extrema y agresiva elimina en gran parte el componente evocador de la misma.

Para dar otro enfoque a sus influencias, Karl Sanders inició hace unos pocos años su proyecto en solitario con el álbum Saurian Meditation, un trabajo absolutamente alejado del metal extremo de Nile, puramente ambiental y rico en instrumentación tradicional, aunque muy cercano a esos breves interludios atmosféricos característicos de su banda madre.

Karl en un concierto de Nile

Quizá el origen occidental de Karl Sanders y su experiencia como músico de metal dieron como resultado un disco que, sonando genuinamente egipcio, no se parecía demasiado a ninguna otra cosa llegada desde aquellas tierras. Él mismo reconoce que, lo que inicialmente podría ser visto como una limitación, puede acabar como inequívoca ventaja. “Siento un respeto inmenso por aquellos músicos orientales que tocan los instrumentos a la manera tradicional,” dice Sanders. “Por otra parte, la mayoría de mi desarrollo musical es occidental, con lo que no importa cuánto lo intente; nunca voy a sonar realmente auténtico con el saz. De modo que antes que intentar emular a esos grandes músicos, logro poco realista, prefiero tocar el saz de forma no tradicional, pero al mismo tiempo personal y única.”

Baglama Saz: uno de los instrumentos tradicionales utilizados en el álbum

En el nuevo álbum, Sanders ha ampliado sus miras, evitando ceñirse en exclusiva a la influencia egipcia y capturando  en ocasiones ecos de zonas tan lejanas como el Tíbet o la India, aunque sin perder en absoluto su inconfundible estilo. Y es un trabajo más personal que el primero si cabe; si en aquél se encargaba de los instrumentos de cuerda, dejando las labores percusivas a diversos músicos invitados, en éste se encarga absolutamente de todo, con excepción de los cánticos y voces, labor de su buen amigo y colaborador Mike Breazeale. Estos cánticos funcionan básicamente como texturas de fondo, de modo que se puede considerar un disco instrumental.

Otra diferencia es que se trata de un álbum totalmente acústico, prescidiendo de las ocasionales guitarras eléctricas que aparecían en Saurian Meditation. Pese a ello, y en consonancia con lo que expresa el título, Saurian Exorcisms suena algo más agresivo y rítmico que aquél; también más oscuro, pero igualmente atmosférico y atrapante. La sólida percusión en apoyo de las diversas melodías creadas por flautas, teclados y diversos instrumentos de cuerda crea un ambiente muy ritualístico que trasporta a épocas pasadas.

Cara de malas pulgas la de Horus; no le ha debido hacer gracia que le despertemos de su plácido letargo

Creo que Saurian Exorcisms es un fenomenal disco que aúna el respeto al folk ancestral con una enfoque e interpretación muy particulares, como podrá atestiguar cualquiera que haya escuchado a Nile: suena a Karl Sanders y a ninguna otra cosa.

“Espero que la gente encuentre este disco relajante e imaginativo,” comenta Sanders. “Con frecuencia, escuchar esta música hace viajar a mi mente y mi imaginación. Me gusta la música así. Como una banda sonora, la escuchas y creas pequeñas películas en tu cabeza. Te lleva a un lugar diferente.” Puedo asegurar que conmigo ha ocurrido igual.

Esta misma tarde, tras escuchar Leftoverture de Kansas, me dije a mí mismo: “voy a abrir una entrada de blog sobre este disco”. ¿Y por qué? Porque es un disco cojonudo, ni más ni menos. Nunca está de más homenajear con unas pocas palabras esta pequeña maravilla.

Kansas es una banda curiosa, pues camina un poco entre dos aguas, y es frecuente e injustamente despreciada por los seguidores del rock progresivo, al considerarla una fábrica de hits comerciales y AOR. Todo el mundo ha escuchado alguna vez Dust in the Wind o Carry On Wayward Son, sus dos canciones más famosas (y grandes temas, por otra parte); pero son muchos menos quienes conocen su faceta como banda absolutamente puntera en el rock sinfónico y progresivo, así como su indiscutible influencia en dicho ámbito.

¡Pintacas! Hay que joderse… los musicazos que se esconden tras ese aspecto de piltrafillas

Leftoverture, su cuarto álbum publicado en 1976, es para muchos su mejor trabajo, y no voy a ser yo quien ponga la nota discordante ante tal aseveración. Es más, se trata, personalmente, de uno de mis discos favoritos de esa década, así como del rock progresivo e incluso del rock en general.

Mi primer contacto con Kansas fue tardío, y ocurrió de forma bastante típica en mí: tirando del hilo de las influencias de un grupo que me gustaba muchísimo por entonces, y me sigue gustando, aunque algo menos: Symphony X. Siempre aprecié sobremanera la faceta más sinfónica suya: cosas como Accolade, Communion and the Oracle, Candlelight Fantasia… temas realmente deliciosos. El caso es que me cantó un pajarito al oído que esas canciones no existirían sin la influencia de Kansas, y raudo y veloz me dispuse a comprobarlo. Qué gran verdad: la construcción de los temas, las melodías, el uso de los instrumentos, incluso la voz; todo, todo podía identificarse inequívocamente con estos primerizos Kansas.

El mago de las cuerdas vocales: Steve Walsh

Evidemente todos esos factores jugaban a mi favor para disfrutar de esta banda, pero hay que mencionar uno, importantísimo, que merece capítulo aparte: la voz. Una de las cosas que menos me gustan del rock progresivo -por otra parte, uno de mis géneros preferidos de la música en general- es el habitual bajo nivel de los vocalistas, sobre todo en comparación con la habitual solvencia instrumental de este tipo de agrupaciones. Afortunamente, Steve Walsh -también teclista- escapa por completo de esta regla general al ser dueño de una voz excepcional, con cuerpo, buena técnica, un timbre tremendamente agradable, y reforzada por excelentes líneas vocales y unas cuidadas armonías. Todo un gustazo escuchar a este hombre, especialmente en temas como The Wall, una de las estrellas de Leftoverture.

Ya están viejunos, pero se lo siguen pasando pipa, y partiendo la pana

Otro tema a destacar, dentro del muy alto nivel del disco, es Magnum Opus, en este caso mayoritariamente instrumental y, como de su título se puede deducir, el más largo, progresivo y ambicioso. Seguramente sería el que eligiera para convencer a todos aquellos progheads escépticos de que la capacidad compositiva de Kansas va mucho más allá de sus hits melódicos. Hits, no obstante, que también poseen una asombrosa calidad musical, como es el caso del mismo Carry On Wayward Son, encargado de abrir el disco con los inconfundibles coros y esos riffs que siempre me han parecido tan Dream Theater (quienes les rinden merecido tributo en una de las versiones que aparecen en su álbum A Change of Seasons).

Con una música tan brillante y vital como la suya es normal que pongan esas caras. A mí me ocurre igual cuando los escucho.

Merece también la pena mencionar el interesante y variado trabajo de teclados del que se encargan tanto Walsh como el guitarrista Kerry Livgren, sea Hammond o diversos sonidos solistas que se entrelazan frenéticamente con las guitarras y base rítmica, así como el toque preciosista del violín de Robby Steinhardt.

Si os apetece escuchar algo que aúna momentos desenfadados y hasta divertidos con una técnica y una musicalidad impecable, Leftoverture es vuestro disco.

Yo creo que sí, y voy a tratar de convenceros de que así es. Pero, ¿qué demonios es un audiófilo?

Podría decirse que audiófilo es todo aquel obsesionado con la tecnología en relación a la escucha de música, que se estruja el cerebro y el bolsillo buscando la mejor calidad posible en los reproductores de sonido, así como tratando de conseguir la ubicación perfecta en la sala de escuchas para su disfrute óptimo. Esto lleva a veces a hacer de un salón o habitación un antro de uso casi exclusivo para uso del melómano en cuestión, con las consecuencias lógicas: juramentos en arameo si suena el teléfono durante la sesión de escucha, insultos a familiares y/o amigos que cometen la insensatez de adentrarse en el lugar y, lo que es peor, llegar a dirigir la palabra al oyente y repetir si éste no reacciona, faltas constantes de puntualidad en citas y/o trabajo por ser incapaz de interrumpir la escucha de una canción o disco concretos, etc.

Vale, no es muy convincente, pero qué coño, primero la música y luego el resto del mundo, ¿no? Si no entiendes esto, no sé qué haces entrando aquí.

Chorradas aparte, el párrafo anterior sirve como introducción improvisada al tema del que me gustaría hablar hoy, algo muy extendido en el cine, pero no tanto en la música: el sonido surround o envolvente, generalmente en formato 5.1.

Hace algo más de un año que decidí invertir parte de mis ahorros en la compra de uno de estos sistemas de sonido 5.1, pues en mi colección de discos se iban acumulando unos pocos trabajos que, en su edición limitada, incluían un DVD con dicha mezcla. La pregunta es sencilla: ¿merece la pena gastarse unos cientos de euros en esto?

En mi opinión depende básicamente de tres factores: la forma de entender la música, las condiciones de escucha, y el espacio disponible. Si sois de los que os gustan las producciones cuidadas y, como mínimo, medianamente sofisticadas, tenéis tiempo y ganas de sentaros de vez en cuando a escuchar sin hacer ninguna otra cosa, como si viéseis una película, y disponéis de una habitación o salón susceptible de instalar uno de estos equipos (básicamente en cuanto a la colocación de los altavoces de acuerdo con alguna de las imágenes anteriores), no os arrepentiréis. Hay determinados discos que duele escuchar en estéreo tras haberlos experimentado en surround, pues el sistema de dos altavoces impide apreciar gran parte de los matices.

Steven Wilson gafapasteando en su estudio

Es el caso, por ejemplo, de la música de Steven Wilson. No es mi intención ni mucho menos ponerme a hablar en esta ocasión de la obra de este geniecillo, pero es imposible dejarle de lado si queremos discutir sobre las bondades de las mezclas en 5.1, pues es quizá el gran gurú del tema en la actualidad, reconocido de forma unánime como uno de los mejores ingenieros de sonido al respecto.

Como él mismo afirma, su música está pensada y enfocada, desde el mismísimo proceso de composición, a explotar las posibilidades del sonido envolvente, y éste es el único modo de disfrutarla al 100%. Es imposible estar en desacuerdo con él una vez comprobado. Quienes le conozcáis sabréis perfectamente que su música es rica en diversos arreglos y efectos, y su manera de repartir los distintos elementos por los altavoces es magistral. Hacer buenas mezclas en 5.1 es muy difícil, pues hay que ser muy cauto a la hora de repartir la salida de los sonidos, y al mismo tiempo ser lo suficientemente atrevido como para sorprender al oyente y marcar la diferencia con el estéreo.

Insurgentes: el álbum mejor mezclado en surround que he escuchado

La oferta actual de trabajos discográficos publicados en 5.1 es cada día más amplia. Los principales factores a la hora de valorar su adquisición son el formato del mismo, en función de la compatibilidad con el reproductor, que puede variar entre DVD-Audio (DVD-A) y Super Audio CD (SACD), el género musical (cuanto más sofisticado y rico en arreglos, más ganará) y la calidad de la mezcla, algo que se puede adivinar conociendo el autor de la misma y leyendo reseñas. En este sentido es muy recomendable visitar el foro de la web Quadraphonic Quad, donde se analizan con gran rigor (en inglés) todo tipo de publicaciones en este formato, utilizando encuestas y demás para un rápido juicio de valor.

Dicho esto, paso a analizar muy brevemente los discos que poseo mezclados en 5.1:

Dream Theater – Systematic Chaos: aunque peca notablemente de la infame loudness war, es una excelente mezcla. Particularmente emotivo es escuchar el tema Repentance con todas las voces y susurros surgiendo de los altavoces traseros en la parte final del mismo. Hay que tener en cuenta que el ser humano reacciona con cierta incomodidad y suspense ante los sonidos procedentes de detrás, siendo esto muy efectivo para dar un toque cinematográfico y dramático a la música. También es un festín para los fans de Mike Portnoy y sus virguerías percusivas, que rodean al oyente cual si estuviese sentado en las propias rodillas del entrañable Miguelito.

Katatonia – The Great Cold Distance: esta mezcla tiene un fallo importante, y es que el altavoz central, generalmente utilizado para las voces e instrumentos solistas, no está aprovechado en absoluto, siendo en la práctica una mezcla 4.1. Aún así, es escuchar las armonías vocales de estribillos como el de My Twin y rendirse ante la superioridad sobre el estéreo.

No-Man – Schoolyard Ghosts: viniendo de Steven Wilson no hay mucho que decir. Perfecta, una maravilla de dinamismo y sutileza a la hora de repartir los sonidos alrededor del oyente.

Opeth – Ghost Reveries: una lástima lo de esta mezcla. Es básicamente un estéreo repartido de forma equitativa por todos los altavoces, sin dinamismo alguno. Mejor escucharlo en estéreo, que suena fantástico, porque el surround no merece la pena en este caso. El álbum se presta a ello, pero la mezcla no está a la altura.

Opeth – Still Life: bastante buena. Excelente uso del altavoz frontal, con la voz de Akerfeldt y sus solos de guitarra sonando absolutamente cristalinos, y buen efecto “muro de sonido” en los pasajes cañeros. Gran sonido de acústicas, cual si el propio Mikael estuviese tocando en tu habitación. Buen dinamismo en cuanto a efectos de producción y diversos juegos y armonías vocales.

Opeth – Watershed: mezcla muy similar a la de Still Life.

Porcupine Tree – Stupid Dream, Lightbulb Sun y Fear of a Blank Planet: como en el caso de No-Man, espectaculares. Nadie sabe explotar mejor las posibilidades de este formato que nuestro gafitas favorito.

A Night at the Opera: otra excelente muestra de las bondades del surround

Queen – A Night at the Opera: exceptuando las de Steven Wilson, la mejor mezcla envolvente que he escuchado. Todos esos juegos vocales de Queen estaban pidiendo a gritos sonar de esta forma.

Steven Wilson – Insurgentes: sublime. Los muros de sonido en las partes más noise/industriales envuelven al oyente de manera inimaginable.

Symphony X – Paradise Lost: me gustaría infinitamente más tener un disco como V en surround, más sinfónico y rico en instrumentación que aquél. Pero no está nada mal, y los pasajes con teclados ambientales y arreglos corales adquieren una nueva dimensión, sonando realmente enormes.

Espero ir aumentando mi colección poco a poco. ¿Alguien más se anima a empezar?